ENFOQUE CUBANO

Por: Ismael Almeida.

Esta tarde del viernes 13 de febrero del 2026, el Teatro Regional Cervantes no solo fue escenario de una función de gala: fue el epicentro de un triunfo frente a la indiferencia.

La puesta en escena “Réplicas” es el resultado de una alianza estratégica y artística inédita, reconocida formalmente en el programa de mano: la obra original lleva la firma conjunta de la rigurosidad periodística de Daniel Navarrete y Daniel Carrillo, junto con la visión dramática y la dirección teatral de Eugenia Fernández, quien convierte el documento en experiencia escénica viva.

El arte de lo posible

Hacer teatro con elencos profesionales es un desafío técnico; hacerlo con un elenco teatral comunitario como “Memoria 21” implica una osadía ética y estética. Fernández asume la dirección no solo como guía de movimientos, sino como auténtica curadora de memorias. Su dramaturgia logra aquello que el periodismo por sí solo no puede: otorgarle un pulso orgánico a la tragedia, transformar la acumulación de testimonios en una experiencia viva.

Cuando los vecinos de “Memoria 21” alzan la voz, no están citando un libro. Están reclamando un lugar en la historia oficial de una ciudad que, aunque experta en reconstruir edificios, aún tiene pendiente reconstruir su memoria simbólica.

Allí radica el verdadero triunfo de la tríada creativa: haber convertido la investigación periodística en un dispositivo artístico capaz de activar comunidad. “Réplicas” no solo representa el pasado; lo resignifica y lo instala en el presente como una deuda que exige respuesta.

En el escenario patrimonial del Teatro Cervantes, Viejas de Mierda confirma su lugar como una de las obras más significativas del teatro chileno reciente. Bajo la apariencia de una comedia sobre la vejez, la puesta en escena despliega un trabajo actoral y técnico de notable precisión, sostenido por Gloria Münchmeyer, Gabriela Hernández y Gloria Benavides, intérpretes cuya trayectoria constituye en sí misma una parte sustantiva de la memoria cultural del país.

La propuesta visual se construye desde un minimalismo consciente. La escenografía de Nicolás Mena y Elisa Bennett prescinde de la representación literal del espacio doméstico para situar la acción en un entorno estilizado, que desplaza la atención hacia los cuerpos y los rostros. La iluminación articula este gesto con eficacia, modulando la escena entre una frontalidad funcional en los momentos de humor y composiciones más densas en los pasajes de mayor exposición emocional.

La pluma y dirección de Rodrigo Bastidas sostiene un ritmo ágil y continuo en una obra extensa y sin intermedio. El paso entre la risa y la melancolía ocurre sin estridencias, gracias a un trabajo preciso sobre pausas y silencios que evita tanto la sobrecarga emotiva como el chiste fácil. La experiencia escénica adquiere así una cualidad cercana a una “edición en vivo”, donde cada gesto cumple una función narrativa.

Uno de los principales aciertos de la obra es la convivencia de registros. Münchmeyer y Hernández aportan un espesor dramático forjado en décadas de teatro y televisión, mientras Benavides incorpora la tradición del humor popular y la revista. Lejos de tensionarse, estas genealogías dialogan y se potencian, produciendo una escena donde la memoria no aparece como nostalgia, sino como material activo.

El título resignifica un insulto social dirigido históricamente a las mujeres mayores y lo convierte en un gesto de afirmación. Las pruebas domésticas que estructuran la acción —coser, limpiar, atender al marido— operan como dispositivos simbólicos que evidencian una domesticidad impuesta. El humor funciona aquí como estrategia crítica: desarma la violencia cotidiana de esas exigencias sin neutralizar su carga histórica.

La Compañía Teatral Quimera, proveniente de Puerto Natales, subió a escena la pieza “Mujeres del carbón” el jueves 22 de enero de 2026 en el Teatro Regional Cervantes de Valdivia. La acogida del público superó cualquier expectativa previa; pocas veces el arte dramático contemporáneo rinde honores a su esencia de una manera tan contundente y orgánica, transformando el escenario en un espejo de la memoria viva.

Desde el más profundo respeto y con una sensibilidad que eriza la piel, la obra aborda un tema tan desgarrador como universal: la resiliencia femenina frente al abandono y la precariedad. Escrita por Paula Torres Olivares, la pieza se nutre de las vivencias reales de las madres y mujeres de Puerto Natales durante los años 90, rescatando un pedazo de historia que el viento del sur no pudo borrar.

A través de Luisa y Blanca —dos vecinas y amigas unidas por la geografía y el orgullo de clase— el montaje desentraña vidas marcadas por el rudo trabajo minero en Río Turbio y la ausencia crónica de los hombres en los confines australes.

La obra teatral interpretada por el elenco chileno, dirigida por Daniel Veronese, se puede catalogar principalmente dentro de los siguientes géneros y estilos, siendo un claro exponente del teatro contemporáneo:

1. Género Dramático:

   Drama psicológico y de relaciones: El foco está puesto en la dinámica de la pareja y la interacción del trío de personajes. Se explora a fondo la psicología de cada uno, sus miedos, sus verdades y sus intentos por comprender o definir el amor.

2. Comedia con tintes oscuros: Si bien la obra aborda temas profundos y a veces dolorosos (como la desconfianza y la crisis amorosa), las fuentes indican que la reflexión se realiza "con tintes de comedia", lo que sugiere diálogos ingeniosos, situaciones absurdas o un humor que aligera la intensidad dramática.

3. Estilo de puesta en escena:

   Realismo crudo / Realismo despojado: La puesta en escena se caracteriza por el realismo crudo, sin pirotecnias. Esto significa que la atención se centra casi exclusivamente en el texto y las interpretaciones de los actores, sin grandes despliegues escenográficos o efectos.

4. Teatro de actor/intérprete: Es una obra donde la representación surge desde la palabra encarnada, lo que la convierte en un enorme desafío para el elenco. Se valora la potencia interpretativa de los actores (Tamara Acosta, Cristián Carvajal, Álvaro Espinoza), quienes están "desnudos frente al público", haciendo que la verdad de los personajes sea el eje central.

   Teatro conversacional / intimista: Gran parte de la obra se basa en los diálogos y discusiones sobre el amor y la vida en pareja. Se genera una atmósfera íntima y de encierro, dado que la acción se desarrolla en una casa, invitando al espectador a ser un "testigo" de la crisis.

A este marco se suma una decisión ética y estética que merece ser destacada: la sobriedad visual no es una carencia, sino una estrategia. La luz, el silencio y la gestualidad mínima se convierten en elementos narrativos.

La casa como espacio cerrado no solo representa el encierro físico, sino también el emocional. Cada pausa, cada mirada, cada desplazamiento corporal está cargado de tensión. El espectador no observa desde fuera, sino que se convierte en testigo incómodo de una conversación que podría estar ocurriendo en cualquier hogar.

La dirección de Veronese confía en la palabra y en el cuerpo del actor. No hay artificio, no hay maquillaje emocional. El texto se sostiene en la potencia interpretativa y en la incomodidad que genera. En tiempos donde el amor se vende como certeza, esta obra lo presenta como duda, como pregunta abierta, como terreno movedizo.

La obra cuenta con un elenco chileno de renombre: Elenco principal: Tamara Acosta, Cristián Carvajal, Álvaro Espinoza

Actuaciones:

Tamara Acosta ofrece una interpretación contenida y precisa, donde cada pausa tiene peso. Cristián Carvajal encarna la incomodidad masculina ante la verdad emocional, mientras Álvaro Espinoza funciona como catalizador, sin caer en el estereotipo del tercero en discordia. El trío construye una tensión sostenida, sin excesos, donde la palabra es protagonista.